경북매일

오피니언

박정은 객원기자의 ‘클래식 노트’

인상주의 음악의 거장과 그의 걸작을 감상하는 방법

클로드 아실 드뷔시는 프랑스 인상주의 음악을 대표하는 작곡가다. 그의 대표곡 ‘Clair de Lune’(달빛)은 이탈리아 베르가모 지방의 춤곡에서 영감을 받아 1890년, 28세의 나이에 작곡된 베르가마스크 모음곡 중 세 번째 곡으로, 전 세계적으로 널리 사랑받고 있다. 이 곡의 제목은 프랑스어로 ‘밝은 달’을 뜻하는 ‘Clair’(광명)과 ‘Lune’(달)의 조합에서 비롯되었다. 서정적이면서도 몽환적인 분위기로 음악 전공자가 아니더라도 누구나 쉽게 매료되는 이 작품은, 원래 폴 베를렌의 시 ‘달빛’에서 제목을 따온 ‘Promenade Sentimentale’(감성적 산책)이었으나 최종적으로 현재의 이름으로 확정되었다는 점이 흥미롭다. 특히 빈센트 반 고흐의 ‘별이 빛나는 밤에’와 놀라운 조화를 이룬다. 고흐가 1889년 정신병원에서 창밖 풍경을 3일 만에 완성한 이 작품은 강렬한 붓터치로 고독과 희망을 동시에 담아내며, 소용돌이치는 하늘과 별빛은 드뷔시 곡의 은근한 슬픔과 묘하게 어우러진다. 두 작품은 “아름다움 속에 숨겨진 쓸쓸함”이라는 공통된 정서를 전달한다. 많은 사람들이 드뷔시의 ‘Clair de Lune’을 그저 아름답다고만 생각한다. 그러나 사실 이 곡에도 고흐의 ‘별이 빛나는 밤에’와 같은 슬프고 쓸쓸한 구석이 있다. ‘Clair de Lune’이라는 제목과 곡조 역시 폴 베를렌의 시 ‘달빛’에서 영감을 받았다. 드뷔시는 후기 낭만파에서 인상파로 전환하는 과도기에 활동하며 인상주의 음악의 시조가 되었다. 인상주의 음악은 신고전주의와 낭만주의에 반발해 전통 화성을 배제하고 자유로운 기법과 형식으로 색채감 있는 모호함을 표현한다. 이는 마치 프랑스 미술을 귀로 듣는 듯한 느낌을 준다. 고흐는 후기 인상주의 화가로 분류된다. 그의 ‘별이 빛나는 밤에’는 드뷔시의 ‘Clair de Lune’보다 1년 먼저 제작되었다. 인상주의 미술은 순간적 인상을 중시하며 전통적 형식에서 벗어난 자유로운 표현을 추구한다. 드뷔시는 후기 낭만 작곡가이자 초기 인상주의 음악의 거장으로, 두 예술가의 작품은 시대를 초월한 감성을 공유한다. 그런 인상주의로의 새로운 지평을 열어준 작품으로 평가받는 곡으로 드뷔시의 ‘목신의 오후 전주곡’이 있다. 이 곡은 프랑스 시인 스테판 말라르메의 시집 ‘목신의 오후’에서 영감을 받아 작곡되었으며, 인상주의 음악의 정수를 보여주는 걸작이다. '목신’은 그리스 신화의 목축신 판(파우누스)을 가리킨다. 드뷔시는 목신의 욕망과 꿈을 여름 오후의 열기가 떠도는 공기처럼 표현했으며, 전통적 기법을 넘어 온음음계와 5음계를 써 독창적 관현악법으로 색채감 있는 몽환적 분위기를 창출했다. 그는 음악을 오선지에 그림을 그리듯 표현해 청중에게 감각적·시적 경험을 선사했다. 처음에는 드뷔시가 말라르메의 시를 허락 없이 사용한 것에 대해 시인이 불만을 표시했으나, 음악을 직접 들은 후 드뷔시에게 찬사를 보냈다는 일화는 이 곡의 강렬하고 감동적인 매력을 잘 보여준다. ‘목신의 오후 전주곡’은 드뷔시의 혁신적인 음악 세계를 알리는 중요한 계기가 되었다. 드뷔시의 두 대표작과 고흐의 작품은 서로 다른 매체로 내면세계를 표현하며 상호작용해 깊은 감동을 준다. 이들의 작품을 함께 감상하길 추천한다. /박정은 객원기자

2025-11-04

강아지가 좋아하는 클래식 음악

강아지도 음악을 통해 정서적 안정을 얻을 수 있다는 연구 결과가 주목받고 있다. 특히 클래식 음악은 반려견의 스트레스를 줄이고 심신을 안정시키는 데 효과적이라는 것이 과학적으로 입증되었다. 수의학 학술지 ‘Journal of Veterinary Behavior’에 따르면, 잔잔한 클래식 음악은 반려견의 스트레스 호르몬인 코르티솔 수치를 낮추고 불필요한 흥분을 줄이는 데 효과가 있다. 스코틀랜드 동물학대방지협회와 글래스고 대학은 다양한 장르 실험을 통해 클래식 음악이 개의 심박수를 가장 안정적으로 조절한다는 사실을 확인했다. 이는 반려견에게 클래식 음악이 필요하다는 사실을 뒷받침한다. 클래식 음악은 반려견의 스트레스 감소와 심박·호흡 안정에 효과적이다. 낯선 환경이나 소리로 인한 불안 상황에서 음악은 긴장을 완화하는 안정제 역할을 한다. 콜로라도 주립대의 2002년 연구에선 유기견 보호소에 클래식 음악을 틀자 짖음 빈도가 줄고 차분해지는 결과가 나타났다. 또한 일부 보호소는 특정 음악을 지속적으로 재생해 불안 행동을 현저히 감소시켰다. 이러한 효과는 현장에서도 활용된다. 일부 동물 병원에서는 수술 후 회복 기간 동안 클래식 음악을 틀어 반려견의 불안을 줄이고 안정적인 상태를 유지하도록 돕는다. 장시간 혼자 집에 있어야 할 때, 병원 진료를 받을 때, 목욕과 같은 낯선 상황일 때 클래식 음악은 반려견의 불안감을 완화하는 데 효과적이다. 또한 반려견이 긍정적으로 반응하는 음악을 들으면 엔도르핀이 분비돼 행복감을 느낄 수 있다. 특히 보호자와 함께 음악을 듣거나 음악에 맞춰 함께 움직이는 활동은 반려견의 즐거움을 배가시키고, 동시에 주인과의 유대감을 강화하는 데 큰 도움이 된다. 강아지들이 어릴 때에는 훈련에 어려움을 겪을 수 있다. 이때 잔잔한 클래식 음악을 들려주면 집중력이 향상되고 학습 능력도 개선될 수 있다. 훈련 중에 적절한 음악을 활용하면 반려견의 학습 속도가 높아지고 훈련 효과를 극대화할 수도 있다. 마지막으로, 강아지가 쉽게 잠들지 못할 때 부드러운 클래식 음악을 들려주면 더 빠르게 깊은 잠에 들 수 있다. 특히 노령견의 경우, 밤 시간대에 나타나는 불안 행동을 완화하고 안정된 상태를 유지하는 데 도움이 된다. 그렇다면 반대로 반려견에게 불안감을 줄 수 있는 음악은 어떤 것일까. 연구에 따르면 헤비 메탈이나 하드 록처럼 빠른 템포와 큰 볼륨의 음악, 불규칙한 리듬이나 고음이 많은 음악은 차분한 행동을 유도하는 데 적합하지 않다. 전문가들은 강아지가 규칙적이고 안정적인 리듬을 선호한다고 설명한다. 특히 피아노와 현악기 중심의 음악이 반려견 스트레스 감소에 가장 효과적이다. 모차르트, 바흐, 베토벤의 작품 중 다수는 안정적인 분위기 조성에 탁월하며 강아지를 위한 연주회에는 베토벤의 ‘월광 소나타’, 쇼팽의 ‘강아지 왈츠’, 바흐의 ‘G선상의 아리아’, 슈베르트 ’아베 마리아' 등을 포함시키면 좋다. 주의할 점은 모든 반려견이 동일한 방법에 같은 반응을 보이지 않는다는 것이다. 각 반려견의 성향과 불안의 원인에 따라 최적의 대응 방식을 찾아야 한다. 물론 음악 감상과 보호자와의 놀이 중 하나를 선택해야 한다면, 열에 아홉은 주인과의 시간을 선택할 것이라는 점도 잊어서는 안 된다. /박정은 객원기자

2025-10-13

피아니스트를 위한 무대 불안 극복법

무대에 서는 두려움은 세계적인 대가라 해도 피할 수 없는 숙명이다. 그러나 그 두려움이야말로 진정 무대를 빛나게 하는 인간의 에너지이기도 하다. 피아니스트 거장 알프레드 브렌델은 “예상치 못한 순간이야말로 가장 인간적인 순간”이라 말하며, 음악은 완벽함이 아닌 ‘자기 표현’의 과정임을 강조한다. AI가 많은 영역에서 인간을 대체하고 있지만, 음악을 통해 ‘자신’을 표현하는 능력만큼은 인간의 고유한 힘이다. 이번 글에서는 그 소중한 떨림을 동력으로 바꾸는 몇 가지 실질적인 방법을 함께 나누고자 한다. △마인드 컨트롤 : 완벽주의 내려놓기 무대에서 완벽한 연주를 꿈꾸지만, 예상치 못한 실수는 피할 수 없다. 악보가 갑자기 떠오르지 않거나 익숙한 부분에서 실수해도 이는 인간의 한계이므로, “최선을 다하되 완벽함을 포기하라”. 호로비츠는 “실수는 불가피하나, 그 뒤의 음이 중요하다”고 말했다. 실수가 발생하면 집착을 버리고 이어질 음악에 집중하라. 완벽 대신 유연함으로 무대를 채워라. 실수를 자연스럽게 넘기는 연습법은 이렇다. 먼저 악보를 완전히 외우지 않은 채로 계속 연주하며, 왼손을 잊으면 오른손으로 이어가고 다음 마디로 넘어가는 훈련을 반복한다. 기억나지 않는 부분은 가장 가까운 마디로 이동해 흐름을 유지한다. 이때 임의의 마디에서 시작해 연습하는 것이 핵심이다. 평소부터 생소한 구간에서도 유연하게 대응하도록 훈련하면, 무대에서 실수해도 다음 표현에 집중해 연주를 완성할 수 있다. 연주 중 집중 포인트를 만드는 것도 좋다. “이 부분에서 음악을 꼭 살리자” 와 같은 목표가 있으면 불안 대신에 음악에 몰입할 수 있다. 게다가 관객들은 대부분 작은 실수를 눈치채지 못한다. 당황하지 않고 자연스럽게 흐름을 이어가면 된다. △몸과 호흡 관리 무대 직전 피아니스트들은 보통 심장이 빨리 뛰거나 손발이 떨린다. 심장이 빨리 뛰는 건 몸이 “집중할 준비”를 하는 신호이다. 공포가 아니라 ‘각성 상태’라고 생각해보면 좋을 듯하다. 무대 두려움은 적이 아니라 나를 보호하려는 몸의 반응이며, 그 덕분에 더 집중해서 연주할 수 있다는 생각으로 바라보자. 몸을 풀면 긴장이 풀리기도 한다. 그중 한 방법은 호흡훈련이다. 몇 초간 깊이 들어마시고 천천히 내쉬는 복식호흡을 추천한다. 손, 어깨, 목을 가볍게 풀어주는 스트레칭도 좋은 방법이며, 성악가들이 쓰는 방법인 lip trill(입술 떨기)도 긴장 해소에 도움이 된다. △다양한 연습 방법 : 무대 전 준비 집에서 실제 공연처럼 곡 전체를 끊지 않고 연주해본다. 이때 폰으로 녹화를 하면 관객이 지켜보는 듯한 긴장감을 줄 수 있다. 이는 무대에서 멈추지 않고 완주할 수 있도록 하는 무대 시뮬레이션 훈련이 된다. 또한 작은 무대부터 준비를 하는게 좋다. 친구, 가족 앞에서 먼저 연주해보며 청중의 범위를 다양하게 넓혀본다. 같은 곡이 아니더라도 연주 공백기를 오래 두지 않고 정기적인 공연 경험을 가지면 무대 긴장이 덜하다. 언제나 ’과잉 준비‘를 한다는 마음으로 연습하면 긴장이 줄고 자신감이 커질 것이다. △실전에서의 태도 무대를 평가의 장이 아니라 “관객에게 선물한다”는 사고방식을 가지면 좋다. 사실 관객은 라이브로 클래식 음악을 들을 기회가 많지 않다. 피아니스트 루빈스타인은 이렇게 말했다. “나는 자주 실수한다. 그러나 나는 그 순간도 즐기기 때문에 관객도 나와 함께 즐긴다.“ 국내 피아니스트들의 어록도 읽어보자. 손열음: “무대에서의 긴장은 완전히 사라지지 않는다. 대신 그 에너지를 어떻게 다루느냐가 연주의 품질을 좌우한다.” 선우예권: “완벽하게 치려고 하면 오히려 불안해진다. 음악을 믿고 흐름을 따라가면 좋은 연주로 이어진다.” 백건우: “피아노는 나에게 기도와 같다. 때로는 기도가 흔들리듯 연주도 흔들릴 수 있다. 그러나 그것이 인간적이며 자연스러운 것이다.” 무대 불안은 피아니스트만의 과제가 아니다. 다양한 전공의 음악가, 강연자 등 누구에게나 해당되는 주제이다. 무대를 두려움의 장소가 아닌 ’나‘를 드러내는 인간적인 공간으로 만들면 좋겠다. /박정은 객원기자

2025-09-15

원조 아이돌, 클래식계의 슈퍼스타 프란츠 리스트

케이팝 아이돌의 팬덤은 대단하다. 사람들은 좋아하는 특정 그룹이나 가수의 콘서트를 보기 위해 전 세계를 따라다닌다. 팬클럽, 응원봉, 팬미팅 등 조직적이고 공식적인 팬 활동이 존재하며, SNS를 통한 다양한 소통 덕분에 팬덤의 규모와 영향력이 매우 크다. 이러한 현상을 우리는 케이팝 문화에서 자연스럽게 접하고 있지만, 그 뿌리를 거슬러 올라가면 슈퍼스타 아이돌과 팬덤 문화의 시초는 사실 19세기 클래식 음악계에서 시작되었다. SNS도 없던 시절, 헝가리 출신의 피아니스트이자 작곡가 프란츠 리스트(1811~1886)는 19세기 유럽에서 ‘원조 아이돌’이라고 할 수 있는 클래식계의 뜨거운 셀럽이었다. 그는 화려한 연주와 잘생긴 외모로 대중의 마음을 사로잡았다. 리스트가 공연하면 팬들은 그의 장갑, 피우고 버린 담배꽁초, 끊어진 피아노 줄까지 가져가려 했으며, 심지어 그가 마시다 남긴 차를 향수병에 담아 가기 위해 줄을 서기도 했다. 오늘날의 ‘사생팬’ 문화에 비견될 정도이다. 당시 그의 광적인 팬들을 의미하는 ‘리스토마니아(Lisztomania)’라는 신조어까지 생겼다. 공연장에는 귀부인들이 몰려들어 언제나 만석이었고, 무대 위에서 연주를 시작하면 기절하는 팬들도 많았다. 연주가 끝난 뒤에는 무대 위로 보석 반지가 쏟아지곤 했다. 리스트의 팬덤 열기는 강렬할 수밖에 없었다. 그는 관객을 즐겁게 하는 다양한 연출을 선보였다. 손수건을 던져주는 팬서비스, 연주할 때 머리칼을 휘날리는 퍼포먼스 등은 관객의 환호를 끌어냈다. 리스트와 같이 생활했던 마리다구 백작부인의 기록 “하얗디 하얀 얼굴에 맵시 있는 큰 키, 그리고 마른 몸매를 가지고 있었다. 큰 눈은 바다 색깔이었고 머리카락은 햇살에 너울대는 물결같이 빛났다”처럼 그의 외모와 타고난 스타성이 큰 매력 포인트였다. 리스트가 팬들을 위해 무대에서 선보인 새로운 시도는 현대 공연 문화의 전형이 되었다. 첫째, 피아노 소리가 홀에 잘 퍼지도록 피아노 뚜껑을 열고 연주했다. 둘째, 관객이 화려한 손놀림과 자신의 잘생긴 얼굴이 보이도록 피아노를 측면으로 돌려 배치했다(원래는 연주자의 등이 보였음). 셋째, 피아노 의자를 등받이나 팔걸이가 없는 스툴형 의자로 바꾸었다. 넷째, 당시 필수는 아니었던 암보를 적극 활용해 다른 연주자들과 자신을 차별화했다. 다섯째, 월드 클래스 인기로 매니저를 고용했다. 여섯째, 피아노가 홀로 독주 악기로써 연주회 전체 프로그램을 구성하지 않았을 때 독주 리사이틀이라는 새로운 문화를 정착시켰다. 이 관행들은 오늘날 클래식 연주 문화에 깊게 뿌리내렸다. 리스트는 단순한 연주자가 아니라 기획자이자 연출가였다. 리스트 이전과 이후의 피아노 공연계 문화는 완전히 다른 양상을 보인다. 물론 이런 관행 덕분에 후대 피아니스트들이 암보 부담 등 많은 어려움에 직면하기도 했지만, 피아노를 완전한 독주 악기로 격상시킨 공로 또한 분명하다. 당시 베토벤이 “외운답시고 엉망으로 치지 말고 악보를 보고 연주하라”고 말했듯, 암보가 필수라는 인식은 리스트 이후에 굳어진 것이다. 물론 리스트의 삶이 언제나 화려했던 것만은 아니다. 1827년 아버지 아담 리스트의 사망은 그에게 큰 충격이었다. 그는 생계를 위해 이른 아침부터 밤늦게까지 피아노와 작곡을 가르쳤고, 한동안 연주 여행을 중단해야 했다. 또, 프랑스 귀족 카롤랭 드 생크릭과의 사랑이 실패로 끝나며 건강이 악화되어 마비 증세까지 겪었다. 종교적 방황 속에서 성직자가 되기를 희망했던 시기도 있었다. 그럼에도 리스트는 낭만시대에서 손꼽히는 다작의 작곡가일 정도로 음악의 유산이 방대하고 영향력이 크다. 그의 작품에는 열정과 서정, 화려함과 깊이가 공존한다. 수많은 곡들이 있지만, 대표적으로 강렬한 피아노 기교와 민족적 색채가 돋보이는 ‘헝가리 광시곡 2번’, 부드럽고 서정적인 ‘사랑의 꿈 3번’을 들어보기를 추천한다. 서로 다른 매력을 지닌 이 두 작품을 통해, 청중을 열광시켰던 리스트의 다채로운 음악적 얼굴을 만날 수 있을 것이다. 리스트는 낭만주의 음악을 전 유럽으로 확산시켰고, 오늘날 한국 아이돌은 한류를 전 세계로 전파하고 있다. 시대와 장르는 다르지만, 두 문화는 모두 음악을 넘어 사회적 현상을 만든 스타성과 팬덤을 중심에 두고 있다. 케이팝의 글로벌 성공 뒤에는, 19세기 리스트가 개척했던 ‘대중과의 연결’이라는 예술가의 역할이 자리하고 있는지도 모른다. /박정은 객원기자

2025-08-17

행운의 천재가 그린 자유로운 상상

많은 위대한 클래식 작곡가들은 가난, 질병, 정신적 고통 속에서 불멸의 작품을 창조했다. 루트비히 판 베토벤은 아버지의 학대와 청력 상실, 경제적 불안 속에서도 걸작을 남겼고, 프란츠 슈베르트는 평생 빈곤과 병마에 시달리며 31세로 생을 마감했다. 로베르트 슈만은 손 부상으로 피아니스트의 길을 포기한 뒤 정신질환으로 요양원에서 숨졌다. 이처럼 삶의 상처와 내면의 고뇌가 스민 이들의 음악은 시대를 초월해 깊은 울림을 전한다. 반면에 펠릭스 멘델스존(1809~1847)은 ‘행운아’라는 이름처럼 부유한 유대계 부르주아 가정에서 태어났다. 은행가인 아버지, 철학자 할아버지, 음악 애호가인 어머니 사이에서 성장한 그는 유럽 예술계의 중심에서 풍부한 교류를 누렸다. 우아한 외모와 사교성으로 귀족 사회에서 각광받았으며, 그의 음악은 고통보다 세련된 균형과 지적 우아함이 특징이다. 화려한 환경과 여유로운 삶이 반영된 작품은 당대의 문화적 취향과 조화를 이루며 독특한 아름다움을 선사한다. 19세기 낭만시대를 대표했던 멘델스존의 음악 스타일은 바흐, 헨델 그리고 모차르트의 영향을 많이 받았다. 그에게서 아름답고 밝은 음색을 가진 시적인 작품들이 많이 보인다. 멘델스존이 살았던 시기는 초기 낭만시대이며 고전시대에 비해 작곡에 엄격한 틀이 없었고 개인의 감정표현을 중요시하는 시기였다. 멘델스존은 고전주의적 낭만주의 작곡가로서 고전주의 형식의 틀 안에서 낭만시대의 자유로운 감정을 담아내었다. 형식의 엄격함, 균형, 절제 보다는 인간 개인의 감정, 사상을 중요시하여 작곡에 있어서 보다 자유로운 화성사용, 종지와 형식의 모호함 등을 사용하였다. 낭만시대에 꽃을 피운 ‘판타지(환상곡)’은 이렇게 작곡가가 생각하는 느낌을 즉흥적으로 쓰는 스타일이다. ‘판타지’는 라틴어 ‘Phantasia’에서 나온 말로, ‘상상’이라는 뜻을 가진다. 일정한 형식에 얽매이지 않고 자유롭기 때문에 작곡가의 독창적인 상상력을 필요로 한다. 판타지는 시대를 거치면서 다양하게 변화되었지만 멘델스존이 살았던 시절에는 아직 고전주의적인 영향이 많이 남아 있다. 멘델스존의 대표 피아노 작품 중 오늘 주목할 곡은 ‘피아노 판타지 Op. 28’, 흔히 ‘스코틀랜드 소나타’로 불리는 작품이다. 1832년 여름부터 1833년 초까지 스코틀랜드 여행 중 받은 영감으로 작곡되었으며, 처음에는 ‘소나타’로 구상되었으나 출판 시 ‘판타지’로 제목이 변경되었다. 이 곡은 그의 스승이자 친구인 피아니스트 이그나츠 모셸레스에게 헌정되었다. 당시 멘델스존이 가지고 있던 음악적 아이디어와 감성을 잘 반영하는 곡이다. 3악장 구성으로 되어있고 악장 간 중단 없이 연속 연주된다. 1악장(F♯ 단조)은 아르페지오(화음을 한꺼번에가 아닌 풀어서 연주)로 시작되며, 자유롭고 즉흥적인 카덴차풍 분위기를 연출한다. 화려한 패시지(선율적 전개)와 긴 페달 포인트(화음의 근음을 반복적으로 유지하며 트릴·글리산도 등으로 장식)가 사용되어 환상곡적 특성을 강조한다. 2악장(A장조)은 사랑스럽고 밝은 악장으로, 전곡 중 유일한 장조로 조성 변화를 통해 이전 악장과 대조적인 분위기를 선사한다. 3악장(F♯ 단조)은 소나타 형식이 마지막 악장에 적용된 점이 특징적이다. 일반적으로 소나타 형식의 재현부에서는 제2주제가 ‘원조(원래의 으뜸조)'로 복귀하지만, 이 곡에서는 같은 으뜸음계(F♯ 단조) 내에서 변형되어 고전적 틀을 유지하면서도 자유로운 구조를 구현했다. 이는 전통적인 형식과 낭만주의적 창의성의 조화를 보여준다. ‘피아노 판타지 Op. 28’은 표면적으로는 연주 난이도가 낮아 보이지만, 실제로는 섬세한 다이내믹 컨트롤과 감정 표현의 깊이를 요구한다. 그의 음악은 고통이 아닌 지적 세련미와 균형 감각으로 완성된 낭만주의의 새로운 면모를 보여준다. 멘델스존의 또 다른 명작인 ‘무언가(Lieder ohne Worte)’ 시리즈(총 49곡) 역시 피아노로 구현된 서정시의 정수를 느낄 수 있다. 각 곡은 짧은 소품이지만, 시적인 제목과 함께 독특한 분위기와 표정을 담아낸다. 멘델스존의 음악은 “클래식은 반드시 비극적이어야 한다”는 편견을 깨뜨린다. 그의 작품은 풍요로운 환경과 지성적 탐구가 어떻게 예술적 완성도로 승화될 수 있는지 증명한다. ‘피아노 판타지 Op. 28’은 단순한 기교적 유희가 아니라, 고전적 전통과 낭만적 상상력의 융합을 통해 시대를 초월한 아름다움을 구현한 증거다. /박정은 객원기자

2025-07-20

현대 사회에서의 클래식 음악 연주의 사회적 의미

클래식 음악은 유럽 중심의 전통을 기반으로 발전해왔으며, 과거에는 주로 상류층의 전유물이었으나 현대에는 대중과의 접근성이 크게 향상되었다. 오늘날 우리는 일상 속에서 다양한 예술을 쉽게 접할 수 있다. 각 시대마다 클래식 음악의 의미는 달랐다. 고대에 음악은 우주의 질서를 표현하는 수단으로 여겨졌으며, 자연과 수학적 법칙을 반영했다. 중세에는 신을 찬양하는 도구로서 교회 음악이 중심이 되었고, 악보는 신의 뜻을 기록하는 매개체로 간주되었다. 르네상스 시기에는 종교적 의미를 넘어 인간의 감정, 감각, 조화, 미적 균형을 표현하는 예술로 자리잡았다. 바로크 시대에는 오페라, 오라토리오, 협주곡 등의 새로운 장르가 등장하며 극적인 이야기와 감정을 연출하는 역할이 강조되었고, 연주의 목적은 청중에게 감동을 주고 놀라게 하는 것으로 변화했다. 고전 시대에는 교회와 귀족을 위한 음악에서 벗어나 청중을 위한 음악으로 중심이 이동했으며, 낭만 시대에는 자유로운 자기 표현, 철학, 사회 비판, 자연 숭배 등 다양한 주제가 담겼다. 과거 음악 거장들의 작품을 오늘날 연주하는 것은 단순히 문화유산을 보존하고 기억하는 것을 넘어선 의미가 있다. 이는 클래식 음악의 본질과 현대적 의미를 재고하게 만든다. 해외 유학 중 만난 외국인들은 종종 “왜 대중적인 실용음악이나 새로운 창작 대신 오래된 곡을 반복해서 연주하느냐?”고 묻곤 했다. 이에 대한 답변으로 “문화유산 보존”이라는 이유가 먼저 떠오르지만, 그 이상의 깊은 의미가 필요하다는 생각이 들었다. 최근 K-pop의 인기 상승으로 실용음악 전공을 선택하는 청소년들이 급증하면서, 많은 예술학교들이 실용음악과를 신설하고 있다. 반면, 클래식 전공자 모집은 감소하거나 정원을 채우지 못하는 경우가 발생하고 있다. 실용음악은 가사를 통해 직접적인 메시지 전달과 자유로운 개성 표현이 가능해 젊은 층의 큰 호응을 얻고 있다. 그러나 클래식 연주는 작곡가의 의도와 악보를 충실히 따르고, 정해진 규칙과 연주법을 준수하는 절제가 요구된다. 이러한 차이점은 클래식 음악이 여전히 중요한 이유와 그 가치를 되새기게 한다. 베토벤 교향곡 9번 ‘합창’이나 바흐 ‘무반주 첼로 모음곡’ 같은 명곡을 연주하는 것은 관객에게 감동과 정서적 카타르시스를 제공하는 것을 넘어, 자아실현과 사회적 메시지를 전달하는 중요한 역할을 한다. 현대 사회에서 클래식 음악은 단순한 전통 예술을 넘어 공공성, 다양성, 치유, 교양, 사회 연대 등을 아우르는 동시대 예술로 자리 잡고 있다. 예를 들어, 클래식 음악은 명상, 심리치료, 병원, 요양 시설 등에서 심리적 안정을 돕는 도구로 사용되며, 사회적 웰빙과 힐링의 수단으로 자리 잡았다. 또한, 클래식 감상과 악기 교육은 집중력, 공감 능력, 감정 인지 능력을 키우는 데 기여한다. 단조 선율은 슬픔을, 불협화음은 긴장감을, 화려한 피날레는 환희를 전달하며, 사람들은 이를 통해 감정 공명을 경험한다. 공연장에서 함께 음악을 감상하며 집단적 공감을 형성하는 것도 클래식 음악의 중요한 역할 중 하나다. 더 나아가 클래식 연주는 사회적 메시지를 전달하는 중요한 수단으로 활용되고 있다. 인권, 평화, 기후 위기 같은 주제를 다룬 공연들이 증가하고 있으며, 다양한 연주자들이 난민 지원이나 기후 위기 대응을 위한 음악회를 개최하고 있다. 이렇듯 클래식 음악 연주는 과거의 유산을 반복하는 것이 아니라, 현대 사회에 치유와 교양, 공감, 사회적 연대의 가치를 전달하는 살아 있는 예술이다. 이러한 다층적 의미를 실현하기 위해 클래식 음악 활동의 영역을 확장할 필요가 있다. 연주자, 강사, 오케스트라 단원 외에도 병원 음악가, 레지던트 뮤지션(호스피스 및 요양원 상주 예술가), 사회 참여형 예술가, 음악 치료사 등 다양한 역할로 나아가야 한다. 이러한 확장은 클래식 음악이 현재와 미래에도 사회에서 중요한 예술로 자리매김하는 방향을 제시한다. 이러한 다층적 의미를 충분히 실현하고 연주가들이 사회 속에서 더 폭넓게 활동하기 위해서는 클래식 음악 활동의 영역 또한 확장될 필요가 있다. 연주자, 강사, 오케스트라 단원과 같은 전통적 진로에만 머무르지 않고, 병원 음악가, 레지던트 뮤지션(호스피스·요양원 상주 예술가), 사회 참여형 예술가, 음악치료 연주자 등 다양한 역할로 뻗어나가야 한다. 이와 같은 확장은 클래식 음악이 오늘도, 그리고 앞으로도 사회에서 의미 있는 예술임을 보여주는 방향이 될 것이다.

2025-06-01

현대 그랜드피아노로의 발전과 구조적 관리법

피아노의 역사는 약 300년에 걸쳐 발전해왔다. 한국에서는 1900년대 초반부터 부유층과 선교사를 통해 가정용 업라이트 피아노가 도입되었으며, 본격적인 보급은 1950~60년대 이후 경제 성장과 함께 이루어졌다. 당시 그랜드피아노는 매우 드물고 고급 기기로 여겨졌다. 산업화가 진행된 1960~70년대에는 음악대학과 예술고등학교의 설립이 증가했고, 1980년대 이후로는 음악 콩쿠르, 유학, 음악교육의 열풍이 일며 그랜드피아노 수요가 급증했다. 야마하, 카와이, 슈타인웨이 등 외국산 브랜드가 수입되면서 일부 가정과 피아노 전공자들이 이를 도입하기 시작했다. 2000년대 이후에는 음악학원, 예술고, 음악대학, 문화센터, 공연장 등이 늘어나면서 그랜드피아노가 필수적으로 배치되었고, 현재 우리나라에는 수만 대의 그랜드피아노가 있다. 초기의 피아노와 현대의 그랜드피아노는 같은 건반악기지만 소리의 생성 방식과 음색이 크게 다르다. 15~17세기에는 클라비코드와 하프시코드라는 두 건반악기가 주로 사용되었다. 클라비코드는 작고 아담하며 직사각형의 납작한 형태로, 건반 수는 40~50개로 현대 피아노보다 적다. 반면 하프시코드는 현대 피아노보다 약간 작거나 비슷한 크기로, 삼각형 모양이며 무대용으로 사용되었다. 건반 수는 88개보다 적지만 화려한 2단 건반이 있는 경우도 있었다. 그러나 이 두 악기는 각각 음역과 소리 제한, 그리고 터치에 따른 음량 조절 불가능하다는 단점이 있어 새로운 악기 개발의 필요성이 대두되었다. 1700년경, 이탈리아의 바르톨로메오 크리스토포리는 최초의 피아노를 발명했다. 초기 명칭은 ‘gravicembalo col piano e forte’(여리고 강하게 소리나는 건반악기)로, 해머로 줄을 때려 소리를 내는 방식이었다. 이 방식은 터치 강도에 따라 음의 세기를 조절할 수 있는 장점이 있었다. 18세기에는 포르테피아노가 유럽 전역에 확산되었고, 모차르트와 초기 베토벤의 음악에 사용되었다. 당시 피아노는 현재보다 얇은 음색과 가벼운 터치를 가졌다. 산업혁명과 기술 발달로 19세기에는 더 강한 해머, 88개의 음역, 발전된 페달 시스템이 도입되어 대형 콘서트홀에서도 사용 가능해졌다. 이 시기에 슈타인웨이(Steinway & Sons)가 현대 피아노의 표준을 정립했다. 20세기에는 슈타인웨이, 야마하, 카와이 등의 브랜드에서 고급 모델을 제작하며 피아노의 완성도를 높였다. 피아노는 표현력 확장을 통해 기술과 음악의 발전을 이끌었고, 현재의 웅장하고 정교한 그랜드피아노로 발전했다. 피아노를 깨끗이 관리하는 방법을 몇 가지 소개하고자 한다. 먼저, 건반은 부드러운 천에 미지근한 물을 묻혀 한 방향으로 닦은 후, 마른 천으로 즉시 물기를 제거한다. 외부 청소는 부드러운 먼지 털이나 극세사 천으로 가볍게 닦고, 피아노 전용 광택제를 소량 천에 묻혀 부드럽게 닦아준다. 먼지가 쌓이지 않도록 주기적으로 닦아주는 것이 중요하다. 습도는40~60%를 유지하고, 직사광선이나 난방기 근처에 두지 않도록 주의해야 한다. 그랜드피아노의 내부 청소는 다소 어렵다. 사운드보드(음향판)는 피아노의 톤과 수명에 직접적인 영향을 미치므로 정기적인 관리가 필요하다. 사운드보드는 얇고 넓은 나무판으로, 두께는 약 8~10mm이다. 브릿지라는 나무 막대 위에 줄들이 지나가며, 이 브릿지가 현의 진동을 사운드보드에 전달해 공명을 유도한다. 문제는 이 줄들 사이를 청소해야 한다는 점이다. 사운드보드를 오래 청소하지 않으면 먼지나 이물질이 쌓여 공명이 방해되고 소리가 둔해질 수 있다. 먼지는 습기를 머금어 곰팡이나 균열이 발생할 가능성이 높아지며, 오래된 피아노 내부에는 해충이 서식할 수 있다. 먼지와 습기가 결합하면 금속 부위에도 영향을 줄 수 있으며, 사운드보드의 곡률이 무너지면 회복이 어렵다. 최소 1년에 2번, 봄과 가을에 청소를 추천하며, 공공장소나 학원은 3~4개월마다 청소하는 것이 좋다. 청소는 전문가에게 맡기는 것이 가장 안전하다. 조율은 최소 1년에 한 번씩 정기적으로 해주어야 하며, 새 피아노의 경우 현이 안정되기까지 1년간은 2회 정도 조율해주는 것이 바람직하다. 조율 시기에 맞춰 조율사에게 내부 점검과 청소를 함께 의뢰하는 것도 좋은 방법이다. 수백 년 동안 장인들의 노력과 기술로 발전해 온 피아노는 단순한 악기를 넘어서 하나의 예술 작품과 같다. 이렇게 섬세하고 아름다운 악기가 오랜 시간 제 소리를 잃지 않도록, 우리는 정성 어린 관리로 그 가치를 지켜가야 한다. /박정은 객원기자

2025-05-13

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