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오피니언

피아니스트를 위한 무대 불안 극복법

무대에 서는 두려움은 세계적인 대가라 해도 피할 수 없는 숙명이다. 그러나 그 두려움이야말로 진정 무대를 빛나게 하는 인간의 에너지이기도 하다. 피아니스트 거장 알프레드 브렌델은 “예상치 못한 순간이야말로 가장 인간적인 순간”이라 말하며, 음악은 완벽함이 아닌 ‘자기 표현’의 과정임을 강조한다. AI가 많은 영역에서 인간을 대체하고 있지만, 음악을 통해 ‘자신’을 표현하는 능력만큼은 인간의 고유한 힘이다. 이번 글에서는 그 소중한 떨림을 동력으로 바꾸는 몇 가지 실질적인 방법을 함께 나누고자 한다. △마인드 컨트롤 : 완벽주의 내려놓기 무대에서 완벽한 연주를 꿈꾸지만, 예상치 못한 실수는 피할 수 없다. 악보가 갑자기 떠오르지 않거나 익숙한 부분에서 실수해도 이는 인간의 한계이므로, “최선을 다하되 완벽함을 포기하라”. 호로비츠는 “실수는 불가피하나, 그 뒤의 음이 중요하다”고 말했다. 실수가 발생하면 집착을 버리고 이어질 음악에 집중하라. 완벽 대신 유연함으로 무대를 채워라. 실수를 자연스럽게 넘기는 연습법은 이렇다. 먼저 악보를 완전히 외우지 않은 채로 계속 연주하며, 왼손을 잊으면 오른손으로 이어가고 다음 마디로 넘어가는 훈련을 반복한다. 기억나지 않는 부분은 가장 가까운 마디로 이동해 흐름을 유지한다. 이때 임의의 마디에서 시작해 연습하는 것이 핵심이다. 평소부터 생소한 구간에서도 유연하게 대응하도록 훈련하면, 무대에서 실수해도 다음 표현에 집중해 연주를 완성할 수 있다. 연주 중 집중 포인트를 만드는 것도 좋다. “이 부분에서 음악을 꼭 살리자” 와 같은 목표가 있으면 불안 대신에 음악에 몰입할 수 있다. 게다가 관객들은 대부분 작은 실수를 눈치채지 못한다. 당황하지 않고 자연스럽게 흐름을 이어가면 된다. △몸과 호흡 관리 무대 직전 피아니스트들은 보통 심장이 빨리 뛰거나 손발이 떨린다. 심장이 빨리 뛰는 건 몸이 “집중할 준비”를 하는 신호이다. 공포가 아니라 ‘각성 상태’라고 생각해보면 좋을 듯하다. 무대 두려움은 적이 아니라 나를 보호하려는 몸의 반응이며, 그 덕분에 더 집중해서 연주할 수 있다는 생각으로 바라보자. 몸을 풀면 긴장이 풀리기도 한다. 그중 한 방법은 호흡훈련이다. 몇 초간 깊이 들어마시고 천천히 내쉬는 복식호흡을 추천한다. 손, 어깨, 목을 가볍게 풀어주는 스트레칭도 좋은 방법이며, 성악가들이 쓰는 방법인 lip trill(입술 떨기)도 긴장 해소에 도움이 된다. △다양한 연습 방법 : 무대 전 준비 집에서 실제 공연처럼 곡 전체를 끊지 않고 연주해본다. 이때 폰으로 녹화를 하면 관객이 지켜보는 듯한 긴장감을 줄 수 있다. 이는 무대에서 멈추지 않고 완주할 수 있도록 하는 무대 시뮬레이션 훈련이 된다. 또한 작은 무대부터 준비를 하는게 좋다. 친구, 가족 앞에서 먼저 연주해보며 청중의 범위를 다양하게 넓혀본다. 같은 곡이 아니더라도 연주 공백기를 오래 두지 않고 정기적인 공연 경험을 가지면 무대 긴장이 덜하다. 언제나 ’과잉 준비‘를 한다는 마음으로 연습하면 긴장이 줄고 자신감이 커질 것이다. △실전에서의 태도 무대를 평가의 장이 아니라 “관객에게 선물한다”는 사고방식을 가지면 좋다. 사실 관객은 라이브로 클래식 음악을 들을 기회가 많지 않다. 피아니스트 루빈스타인은 이렇게 말했다. “나는 자주 실수한다. 그러나 나는 그 순간도 즐기기 때문에 관객도 나와 함께 즐긴다.“ 국내 피아니스트들의 어록도 읽어보자. 손열음: “무대에서의 긴장은 완전히 사라지지 않는다. 대신 그 에너지를 어떻게 다루느냐가 연주의 품질을 좌우한다.” 선우예권: “완벽하게 치려고 하면 오히려 불안해진다. 음악을 믿고 흐름을 따라가면 좋은 연주로 이어진다.” 백건우: “피아노는 나에게 기도와 같다. 때로는 기도가 흔들리듯 연주도 흔들릴 수 있다. 그러나 그것이 인간적이며 자연스러운 것이다.” 무대 불안은 피아니스트만의 과제가 아니다. 다양한 전공의 음악가, 강연자 등 누구에게나 해당되는 주제이다. 무대를 두려움의 장소가 아닌 ’나‘를 드러내는 인간적인 공간으로 만들면 좋겠다. /박정은 객원기자

2025-09-15

원조 아이돌, 클래식계의 슈퍼스타 프란츠 리스트

케이팝 아이돌의 팬덤은 대단하다. 사람들은 좋아하는 특정 그룹이나 가수의 콘서트를 보기 위해 전 세계를 따라다닌다. 팬클럽, 응원봉, 팬미팅 등 조직적이고 공식적인 팬 활동이 존재하며, SNS를 통한 다양한 소통 덕분에 팬덤의 규모와 영향력이 매우 크다. 이러한 현상을 우리는 케이팝 문화에서 자연스럽게 접하고 있지만, 그 뿌리를 거슬러 올라가면 슈퍼스타 아이돌과 팬덤 문화의 시초는 사실 19세기 클래식 음악계에서 시작되었다. SNS도 없던 시절, 헝가리 출신의 피아니스트이자 작곡가 프란츠 리스트(1811~1886)는 19세기 유럽에서 ‘원조 아이돌’이라고 할 수 있는 클래식계의 뜨거운 셀럽이었다. 그는 화려한 연주와 잘생긴 외모로 대중의 마음을 사로잡았다. 리스트가 공연하면 팬들은 그의 장갑, 피우고 버린 담배꽁초, 끊어진 피아노 줄까지 가져가려 했으며, 심지어 그가 마시다 남긴 차를 향수병에 담아 가기 위해 줄을 서기도 했다. 오늘날의 ‘사생팬’ 문화에 비견될 정도이다. 당시 그의 광적인 팬들을 의미하는 ‘리스토마니아(Lisztomania)’라는 신조어까지 생겼다. 공연장에는 귀부인들이 몰려들어 언제나 만석이었고, 무대 위에서 연주를 시작하면 기절하는 팬들도 많았다. 연주가 끝난 뒤에는 무대 위로 보석 반지가 쏟아지곤 했다. 리스트의 팬덤 열기는 강렬할 수밖에 없었다. 그는 관객을 즐겁게 하는 다양한 연출을 선보였다. 손수건을 던져주는 팬서비스, 연주할 때 머리칼을 휘날리는 퍼포먼스 등은 관객의 환호를 끌어냈다. 리스트와 같이 생활했던 마리다구 백작부인의 기록 “하얗디 하얀 얼굴에 맵시 있는 큰 키, 그리고 마른 몸매를 가지고 있었다. 큰 눈은 바다 색깔이었고 머리카락은 햇살에 너울대는 물결같이 빛났다”처럼 그의 외모와 타고난 스타성이 큰 매력 포인트였다. 리스트가 팬들을 위해 무대에서 선보인 새로운 시도는 현대 공연 문화의 전형이 되었다. 첫째, 피아노 소리가 홀에 잘 퍼지도록 피아노 뚜껑을 열고 연주했다. 둘째, 관객이 화려한 손놀림과 자신의 잘생긴 얼굴이 보이도록 피아노를 측면으로 돌려 배치했다(원래는 연주자의 등이 보였음). 셋째, 피아노 의자를 등받이나 팔걸이가 없는 스툴형 의자로 바꾸었다. 넷째, 당시 필수는 아니었던 암보를 적극 활용해 다른 연주자들과 자신을 차별화했다. 다섯째, 월드 클래스 인기로 매니저를 고용했다. 여섯째, 피아노가 홀로 독주 악기로써 연주회 전체 프로그램을 구성하지 않았을 때 독주 리사이틀이라는 새로운 문화를 정착시켰다. 이 관행들은 오늘날 클래식 연주 문화에 깊게 뿌리내렸다. 리스트는 단순한 연주자가 아니라 기획자이자 연출가였다. 리스트 이전과 이후의 피아노 공연계 문화는 완전히 다른 양상을 보인다. 물론 이런 관행 덕분에 후대 피아니스트들이 암보 부담 등 많은 어려움에 직면하기도 했지만, 피아노를 완전한 독주 악기로 격상시킨 공로 또한 분명하다. 당시 베토벤이 “외운답시고 엉망으로 치지 말고 악보를 보고 연주하라”고 말했듯, 암보가 필수라는 인식은 리스트 이후에 굳어진 것이다. 물론 리스트의 삶이 언제나 화려했던 것만은 아니다. 1827년 아버지 아담 리스트의 사망은 그에게 큰 충격이었다. 그는 생계를 위해 이른 아침부터 밤늦게까지 피아노와 작곡을 가르쳤고, 한동안 연주 여행을 중단해야 했다. 또, 프랑스 귀족 카롤랭 드 생크릭과의 사랑이 실패로 끝나며 건강이 악화되어 마비 증세까지 겪었다. 종교적 방황 속에서 성직자가 되기를 희망했던 시기도 있었다. 그럼에도 리스트는 낭만시대에서 손꼽히는 다작의 작곡가일 정도로 음악의 유산이 방대하고 영향력이 크다. 그의 작품에는 열정과 서정, 화려함과 깊이가 공존한다. 수많은 곡들이 있지만, 대표적으로 강렬한 피아노 기교와 민족적 색채가 돋보이는 ‘헝가리 광시곡 2번’, 부드럽고 서정적인 ‘사랑의 꿈 3번’을 들어보기를 추천한다. 서로 다른 매력을 지닌 이 두 작품을 통해, 청중을 열광시켰던 리스트의 다채로운 음악적 얼굴을 만날 수 있을 것이다. 리스트는 낭만주의 음악을 전 유럽으로 확산시켰고, 오늘날 한국 아이돌은 한류를 전 세계로 전파하고 있다. 시대와 장르는 다르지만, 두 문화는 모두 음악을 넘어 사회적 현상을 만든 스타성과 팬덤을 중심에 두고 있다. 케이팝의 글로벌 성공 뒤에는, 19세기 리스트가 개척했던 ‘대중과의 연결’이라는 예술가의 역할이 자리하고 있는지도 모른다. /박정은 객원기자

2025-08-17

현대 사회에서의 클래식 음악 연주의 사회적 의미

클래식 음악은 유럽 중심의 전통을 기반으로 발전해왔으며, 과거에는 주로 상류층의 전유물이었으나 현대에는 대중과의 접근성이 크게 향상되었다. 오늘날 우리는 일상 속에서 다양한 예술을 쉽게 접할 수 있다. 각 시대마다 클래식 음악의 의미는 달랐다. 고대에 음악은 우주의 질서를 표현하는 수단으로 여겨졌으며, 자연과 수학적 법칙을 반영했다. 중세에는 신을 찬양하는 도구로서 교회 음악이 중심이 되었고, 악보는 신의 뜻을 기록하는 매개체로 간주되었다. 르네상스 시기에는 종교적 의미를 넘어 인간의 감정, 감각, 조화, 미적 균형을 표현하는 예술로 자리잡았다. 바로크 시대에는 오페라, 오라토리오, 협주곡 등의 새로운 장르가 등장하며 극적인 이야기와 감정을 연출하는 역할이 강조되었고, 연주의 목적은 청중에게 감동을 주고 놀라게 하는 것으로 변화했다. 고전 시대에는 교회와 귀족을 위한 음악에서 벗어나 청중을 위한 음악으로 중심이 이동했으며, 낭만 시대에는 자유로운 자기 표현, 철학, 사회 비판, 자연 숭배 등 다양한 주제가 담겼다. 과거 음악 거장들의 작품을 오늘날 연주하는 것은 단순히 문화유산을 보존하고 기억하는 것을 넘어선 의미가 있다. 이는 클래식 음악의 본질과 현대적 의미를 재고하게 만든다. 해외 유학 중 만난 외국인들은 종종 “왜 대중적인 실용음악이나 새로운 창작 대신 오래된 곡을 반복해서 연주하느냐?”고 묻곤 했다. 이에 대한 답변으로 “문화유산 보존”이라는 이유가 먼저 떠오르지만, 그 이상의 깊은 의미가 필요하다는 생각이 들었다. 최근 K-pop의 인기 상승으로 실용음악 전공을 선택하는 청소년들이 급증하면서, 많은 예술학교들이 실용음악과를 신설하고 있다. 반면, 클래식 전공자 모집은 감소하거나 정원을 채우지 못하는 경우가 발생하고 있다. 실용음악은 가사를 통해 직접적인 메시지 전달과 자유로운 개성 표현이 가능해 젊은 층의 큰 호응을 얻고 있다. 그러나 클래식 연주는 작곡가의 의도와 악보를 충실히 따르고, 정해진 규칙과 연주법을 준수하는 절제가 요구된다. 이러한 차이점은 클래식 음악이 여전히 중요한 이유와 그 가치를 되새기게 한다. 베토벤 교향곡 9번 ‘합창’이나 바흐 ‘무반주 첼로 모음곡’ 같은 명곡을 연주하는 것은 관객에게 감동과 정서적 카타르시스를 제공하는 것을 넘어, 자아실현과 사회적 메시지를 전달하는 중요한 역할을 한다. 현대 사회에서 클래식 음악은 단순한 전통 예술을 넘어 공공성, 다양성, 치유, 교양, 사회 연대 등을 아우르는 동시대 예술로 자리 잡고 있다. 예를 들어, 클래식 음악은 명상, 심리치료, 병원, 요양 시설 등에서 심리적 안정을 돕는 도구로 사용되며, 사회적 웰빙과 힐링의 수단으로 자리 잡았다. 또한, 클래식 감상과 악기 교육은 집중력, 공감 능력, 감정 인지 능력을 키우는 데 기여한다. 단조 선율은 슬픔을, 불협화음은 긴장감을, 화려한 피날레는 환희를 전달하며, 사람들은 이를 통해 감정 공명을 경험한다. 공연장에서 함께 음악을 감상하며 집단적 공감을 형성하는 것도 클래식 음악의 중요한 역할 중 하나다. 더 나아가 클래식 연주는 사회적 메시지를 전달하는 중요한 수단으로 활용되고 있다. 인권, 평화, 기후 위기 같은 주제를 다룬 공연들이 증가하고 있으며, 다양한 연주자들이 난민 지원이나 기후 위기 대응을 위한 음악회를 개최하고 있다. 이렇듯 클래식 음악 연주는 과거의 유산을 반복하는 것이 아니라, 현대 사회에 치유와 교양, 공감, 사회적 연대의 가치를 전달하는 살아 있는 예술이다. 이러한 다층적 의미를 실현하기 위해 클래식 음악 활동의 영역을 확장할 필요가 있다. 연주자, 강사, 오케스트라 단원 외에도 병원 음악가, 레지던트 뮤지션(호스피스 및 요양원 상주 예술가), 사회 참여형 예술가, 음악 치료사 등 다양한 역할로 나아가야 한다. 이러한 확장은 클래식 음악이 현재와 미래에도 사회에서 중요한 예술로 자리매김하는 방향을 제시한다. 이러한 다층적 의미를 충분히 실현하고 연주가들이 사회 속에서 더 폭넓게 활동하기 위해서는 클래식 음악 활동의 영역 또한 확장될 필요가 있다. 연주자, 강사, 오케스트라 단원과 같은 전통적 진로에만 머무르지 않고, 병원 음악가, 레지던트 뮤지션(호스피스·요양원 상주 예술가), 사회 참여형 예술가, 음악치료 연주자 등 다양한 역할로 뻗어나가야 한다. 이와 같은 확장은 클래식 음악이 오늘도, 그리고 앞으로도 사회에서 의미 있는 예술임을 보여주는 방향이 될 것이다.

2025-06-01

현대 그랜드피아노로의 발전과 구조적 관리법

피아노의 역사는 약 300년에 걸쳐 발전해왔다. 한국에서는 1900년대 초반부터 부유층과 선교사를 통해 가정용 업라이트 피아노가 도입되었으며, 본격적인 보급은 1950~60년대 이후 경제 성장과 함께 이루어졌다. 당시 그랜드피아노는 매우 드물고 고급 기기로 여겨졌다. 산업화가 진행된 1960~70년대에는 음악대학과 예술고등학교의 설립이 증가했고, 1980년대 이후로는 음악 콩쿠르, 유학, 음악교육의 열풍이 일며 그랜드피아노 수요가 급증했다. 야마하, 카와이, 슈타인웨이 등 외국산 브랜드가 수입되면서 일부 가정과 피아노 전공자들이 이를 도입하기 시작했다. 2000년대 이후에는 음악학원, 예술고, 음악대학, 문화센터, 공연장 등이 늘어나면서 그랜드피아노가 필수적으로 배치되었고, 현재 우리나라에는 수만 대의 그랜드피아노가 있다. 초기의 피아노와 현대의 그랜드피아노는 같은 건반악기지만 소리의 생성 방식과 음색이 크게 다르다. 15~17세기에는 클라비코드와 하프시코드라는 두 건반악기가 주로 사용되었다. 클라비코드는 작고 아담하며 직사각형의 납작한 형태로, 건반 수는 40~50개로 현대 피아노보다 적다. 반면 하프시코드는 현대 피아노보다 약간 작거나 비슷한 크기로, 삼각형 모양이며 무대용으로 사용되었다. 건반 수는 88개보다 적지만 화려한 2단 건반이 있는 경우도 있었다. 그러나 이 두 악기는 각각 음역과 소리 제한, 그리고 터치에 따른 음량 조절 불가능하다는 단점이 있어 새로운 악기 개발의 필요성이 대두되었다. 1700년경, 이탈리아의 바르톨로메오 크리스토포리는 최초의 피아노를 발명했다. 초기 명칭은 ‘gravicembalo col piano e forte’(여리고 강하게 소리나는 건반악기)로, 해머로 줄을 때려 소리를 내는 방식이었다. 이 방식은 터치 강도에 따라 음의 세기를 조절할 수 있는 장점이 있었다. 18세기에는 포르테피아노가 유럽 전역에 확산되었고, 모차르트와 초기 베토벤의 음악에 사용되었다. 당시 피아노는 현재보다 얇은 음색과 가벼운 터치를 가졌다. 산업혁명과 기술 발달로 19세기에는 더 강한 해머, 88개의 음역, 발전된 페달 시스템이 도입되어 대형 콘서트홀에서도 사용 가능해졌다. 이 시기에 슈타인웨이(Steinway & Sons)가 현대 피아노의 표준을 정립했다. 20세기에는 슈타인웨이, 야마하, 카와이 등의 브랜드에서 고급 모델을 제작하며 피아노의 완성도를 높였다. 피아노는 표현력 확장을 통해 기술과 음악의 발전을 이끌었고, 현재의 웅장하고 정교한 그랜드피아노로 발전했다. 피아노를 깨끗이 관리하는 방법을 몇 가지 소개하고자 한다. 먼저, 건반은 부드러운 천에 미지근한 물을 묻혀 한 방향으로 닦은 후, 마른 천으로 즉시 물기를 제거한다. 외부 청소는 부드러운 먼지 털이나 극세사 천으로 가볍게 닦고, 피아노 전용 광택제를 소량 천에 묻혀 부드럽게 닦아준다. 먼지가 쌓이지 않도록 주기적으로 닦아주는 것이 중요하다. 습도는40~60%를 유지하고, 직사광선이나 난방기 근처에 두지 않도록 주의해야 한다. 그랜드피아노의 내부 청소는 다소 어렵다. 사운드보드(음향판)는 피아노의 톤과 수명에 직접적인 영향을 미치므로 정기적인 관리가 필요하다. 사운드보드는 얇고 넓은 나무판으로, 두께는 약 8~10mm이다. 브릿지라는 나무 막대 위에 줄들이 지나가며, 이 브릿지가 현의 진동을 사운드보드에 전달해 공명을 유도한다. 문제는 이 줄들 사이를 청소해야 한다는 점이다. 사운드보드를 오래 청소하지 않으면 먼지나 이물질이 쌓여 공명이 방해되고 소리가 둔해질 수 있다. 먼지는 습기를 머금어 곰팡이나 균열이 발생할 가능성이 높아지며, 오래된 피아노 내부에는 해충이 서식할 수 있다. 먼지와 습기가 결합하면 금속 부위에도 영향을 줄 수 있으며, 사운드보드의 곡률이 무너지면 회복이 어렵다. 최소 1년에 2번, 봄과 가을에 청소를 추천하며, 공공장소나 학원은 3~4개월마다 청소하는 것이 좋다. 청소는 전문가에게 맡기는 것이 가장 안전하다. 조율은 최소 1년에 한 번씩 정기적으로 해주어야 하며, 새 피아노의 경우 현이 안정되기까지 1년간은 2회 정도 조율해주는 것이 바람직하다. 조율 시기에 맞춰 조율사에게 내부 점검과 청소를 함께 의뢰하는 것도 좋은 방법이다. 수백 년 동안 장인들의 노력과 기술로 발전해 온 피아노는 단순한 악기를 넘어서 하나의 예술 작품과 같다. 이렇게 섬세하고 아름다운 악기가 오랜 시간 제 소리를 잃지 않도록, 우리는 정성 어린 관리로 그 가치를 지켜가야 한다. /박정은 객원기자

2025-05-13